シド・バレット プロジェクト・パート２『Barrett』
今晩は。ヴァーチャル・パブのロンドンきつね亭です。
細々続けております当ブログですが、訪問してくださった方が３月から多少増えました。もちろん他のブログ運営者さん達に比べると微々たる数なのですが。
とはいえ‥‥読者になってくださっている方は一向に増えません（読者登録してくださっている方々、誠にありがとうございます）。
訪問してくださる方の９５％はグーグルとヤフーの検索からですが、未だにその3分の１強がピンク・フロイドの1枚目を扱った「シド・バレットは天才なのか」という記事からのアクセスです。
シドへの関心の高さにも驚きますが、登録者の方の少なさを合わせて考えますと、
「シド・バレットっていうから見に来てやったけど、夜明けのパイパー一枚だけで薄っぺらい記事書きおって、誰がもう来るかバーカ」
ということではないか、と。いえ言葉が汚くて大変申し訳なくございません。
そうお思いの方がおられても至極ごもっともです。
というわけでシド・バレット・プロジェクトと称して（間に他のアーティストのアルバムを混じえながら）音源と資料を通じてシド・バレットという不思議な人物を少し掘り下げて行こうと思います。
まずは2枚目にして最後のスタジオ・アルバム『その名はバレット（Barrette）』(1970)を聴いて見たいと思います。
プロデュースはデイヴ・ギルモアとリチャード・ライト。前作の『帽子は笑う』同様にギルモアがベーシストとして参加、さらにライト（kb）とハンブル・パイのジェリー・シャーリー（d）が入っています。
なおジャケットの蜂と蟻の標本図はシド本人の作品です。
今日のお供はアブサンで。
ベイビー・レモネードとラヴ・ソング（Baby Lemonade, Love Song）−１＆２曲目
最初の2曲は『夜明けのパイパー』の「Gnome」や「Flaming」を思わせるコード展開。60年代のシド・バレットの世界という印象で牧歌的な明るさにアンニュイさが加わった歌を淡々と歌っています。
シドのギターソロも聞かれるものの、両曲ともに何故かギルモアのベース・ラインの方が目立っている。
ドミノ（Dominoes)−４曲目
えらく物憂げなメロディですが、このアルバムの中で「ジゴロおばさん」と並んで好きな曲。波間にたゆたう舟に身を任せているような心地よさがあります。
この曲ではデイヴ・ギルモアがドラムも担当。器用な人です。
どこかで聴いた懐かしいメロディだと思ったら、タートルズの「Happy Together」とWikipediaにある。そう、それでした。
リック・ライトのオルガンは「手抜き」と評判が良くないものの、その分シドのギター・ソロが際立っています。この曲のギター・ソロはシド・バレットが符を逆に弾いていることで知られていますが、ユーチューブにアップされていた楽譜の進行通りに加工したバージョンは違和感あり。やはり逆向きがよく所々音がひしゃげてバグ・パイプのようになっているのが面白い。
メイジー（Maisie）ー６曲目
暗いブルースを歌うとよりもブツブツ呟いている。
前曲の「ラット」とともに６０年代の前衛と言うべきかアングラというべきか、この雰囲気決して嫌いではないです。
（画像はCDより引用）
ジゴロおばさん（Gigolo Aunt)ー７曲目
この曲は初めて聴いたのは確か中学生の頃で、ラジオで一度しか聴いてないのにシド・バレットというとこの曲を思い出すぐらい印象が強かったものです。
当時はなぜか映画トッツィーに出てくるようなおばさんをイメージしたものの、「Gigolo Aunt」は実際にはおばさんというより女版ジゴロで、男性ジゴロのようにお金目的ではなくて男をハントすることが趣味の美人のイメージらしい。
Wikipediaを見たら、ジェフ・ベックの「ハイ・ホー・シルバー・ライニング」をベースにしているとあって、え？そうだっけ？と思って続けて聴いてみるとリズムと曲展開が共通している
シドのギターもいいが、デイヴ・ギルモアのベース・ライン、シャーリーのドラム、ライトのオルガンもいい。
ノリのいい曲でシングル・カットされてもよかったと思います。
ウルフ・パック（Wolf Pack)
Wikipediaによれば、シド・バレットはインタビューでこの曲をお気に入りの曲のひとつに挙げていたとのこと。
確かに秀逸なギターソロが入っています。が、ヴォーカルはサイケというか支離滅裂というか、ハモリがハモってないのでかなりきつい、というのが第一印象です。
感想
まずシド・バレットの音楽はプログレでも、サイケですらなくシド・バレット独自の音楽世界であるということを再認識します。 その世界が『夜明けのパイパー』で完結せずにもう少しダークな方向にはみ出しているという印象。
ただしこのアルバムについては全体的にかなりプロデューサーのギルモア色が強いのではないか。ギルモアもライトも精神的にも肉体的にも限界を超えているシドを何とかスタジオに連れてきて音楽を作らせたいという意図も、友人を助けたいという友情もあったに違いありません。一方で売れるものを作らねばというプロデューサーとしての責任もあったはずで、必ずしもシド・バレットが正気なら目指したであろう方向とは同じではなかったのではないでしょうか。
このアルバムと同じ年に『原子心母』を発表してプログレの王道を突き進んでいくピンク・フロイド。独自の音楽世界の中にありながら何故か普遍的にピンク・フロイドに影響を与え続けたシド・バレット。
凡人の私にはその何故かが分かることがあるのでしょうか。
To be continued…..
カンタベリー系の2枚目にお勧めのハットフィールド＆ザ・ノースの『ザ・ロッターズ・クラブ』
今晩は、ヴァーチャル・パブのロンドンきつね亭です。
今日はハットフィールド＆ザ・ノース（H&TN)の『ザ・ロッターズ・クラブ』でいってみます。
H&TNは、以前当店で『ピンクとグレイの地』を取り上げたキャラバンのリチャード・シンクレア（v、b）、Eggに居たデイヴ・スチュアート（k）、マッチングモール出身のフィル・ミラー（g）、ゴング出身でフィルの幼馴染みのピップ・パイル（d）の４人で1972年に結成され、カンタベリー・ロック界のスーパー・グループと言われました。
今回の『ザ・ロッターズ・クラブ』は、バンドの2枚目にして最後のアルバムです。
あまり評判がよくないこのジャケット、往年の女優風赤毛美女が何やら絵を描いています。裏を見ると広場に集まった大人と子供、空にはペガサスに乗って空を駆ける金髪女性、暗雲に包まれ地獄の使者らしき者に連れ去られる人物、と不思議な絵。イラストレータは何を思って描いたのでしょうか。
系
さて、今日は英国産スパークリング・ワインがお勧めです。
シェア・イット（Share It)
１曲目の「シェア・イット」は軽くノリのいい曲。
曲が始まってすぐに「あれ、どこかで聞いたことがある」という印象。
この曲、キャラバンそのものなんですね。同じ人が書いて歌っているのだから当然ですが、曲調といい節回しといい、『ピンクとグレーの地』の一曲と言われても全く違和感がありません。
耳についてすぐに覚えられそうなメロディ。ブリテッシュ・フォークの片鱗も垣間見えます。リチャード・シンクレアの声は耳に心地いい。
ヴォーカルとユニゾンで走っているキーボード、中盤に入るシンセサイザーのソロがすごくいい。
なお、このアルバムを通じて歌詞の意味はほとんど理解不可能です。難解というより脈絡なく話が進むので何の話なのか見えない。
「Don't take it seriously」と歌っているように彼ら自身歌詞に意味を持たせる意図がないのかもしれません。
ラウンジング・ゼア・トライング（Lounging There Trying)
ギタリストのミラーの作。
インプロヴィゼーションらしいジャズ・ギターのソロ。それに絡んでいる恐らくこれも即興のフェンダー・ローズ・ピアノの高音の煌き。途中から入っていくベースの音の美しさ。ドラムが刻む変則的なリズムの心地よさ。
このアルバムでもかなり好きな曲です。
インストゥルメンタル３曲
「ジョン・ウェインは心理学の顎にパンチを見舞う（John Wayne Socks Psychology on the Jaw)」、「脂っぽいスプーンの混沌（Chaos at the Greasy Spoon)」、「イエス、ノーの間奏（The Yes No Interlude)」という頭を抱えたくなる題名の３曲が組曲形式に演奏されます。
「ジョン・ウェイン云々」はファズを利かせまくったオルガンとギター、吹奏楽器が入り一体どこが西部劇のスターなのかと訝る間も無く終わり、瞬く間に「脂っぽいスプーン」へ。
キース・エマーソンを思わせるムーグの一節にホルン。たしかに音による汚いスプーンの状況説明ですが、これもサッと終わって「イエス・ノー」に移っている。
「イエス・ノーの間奏」これはノリのいい楽しい曲です。
初めはプログレ、ファンク、さらにジャズへ。サックス以下吹奏楽器とギターのクワ・クワ音。エレピの陰鬱げなソロ。リズムが楽しくてもう少し聴いていたい感じです。
「フィッター・ストークは入浴中（Fitter Stoke Has a Bath）」 と「大した事ないよ（Didn't Matter Anyway）」
「フィッター・ストーク」は軽快な曲で、エレピがヴォーカルとユニゾンになっています。
例によって歌詞は意味不明で「君は俺の人生をかっこいいと思っているんだろう。毎日多くの人に会って外国の色々な場所にも行けて。でもたまに正気になるとお笑いなんだよね、これが」という一番は分かるとしても、２番でいきなり「みんなが君のことをスウェーデン人だといってたね。君はチョコレートをねだったよね」と脈絡がない。
挙句に「誰かが俺を探していたら、今風呂で溺れている最中だから」と。
このユーモアだか支離滅裂だか分からない歌詞をリチャード・シンクレアが甘い声で淡々と歌っています。途中でブクブクという泡の音とともに水中で歌っているような仕掛けになっているのも面白い。
中盤のフルート・ソロが絶妙にいいし後半のギター・ソロもいい。
銅鑼が鳴る辺りからはシンセサイザーによる宇宙空間のような不思議な音世界です。
そこから「Didn't Matter Anyway」の美しい景色へ。
この曲のジミー・ヘイスティングスのフルートの美しさは圧巻。
恋人との淡白な別れの歌ですが、曲調はお伽話を紡いでいるようでもあり、朝露に濡れた英国の田園風景を見ているようにも思える。
フルートとキーボードが絡み合っている箇所は２本のフルートの澄んだ音色が絡んでいるように聞こえます。
Hatfield and the North – Live (1990)
8曲目の「アンダーダブ」はビニール盤ならB面の１曲目。
短い曲ながら王道のジャズロックです。
主役はローズ・ピアノだけどこの曲のベースがめちゃくちゃカッコいい。
「おたふく風邪（Mumps）」
Mumpsは２０分に及ぶ大作で、3部で構成される組曲形式になっています。
冒頭のエレピ、オルガン、彼方で歌う女声のクワイアーによる静謐な数分間のあと、突如ドラム、ベース、ギター、Eピアノが参入。
前半はギターのソロ、エレピのソロ、女性のスキャットで同じテーマが展開されます。
ここは乾いた音のベースの動きに注目。
シンクレアがミュージカル調の節回しで歌う「ABCの歌」というまたもや意味不明の歌が入って、後半の見せ場はヘイスティングスのサックス・ソロ。
右から入ってくるサックスに左のギターが呼応する絶妙な掛け合い。
一旦フェードアウトした後の終盤には同じくヘイスティングスのフルートが女声コーラス（ノーザレッツ）のスキャットとかぶさる。
夜の静寂に響き渡るようなフルートはまさに鳥肌ものです。
ボーナス・トラックでは「Halfway Between Heaven and Earth」 (ドラムがかっこいけど、一体どうしてこんな予測不可能なコード展開で歌っているんだ）とか「Oh Len's Nature!」（カンタベリーにヘヴィーロックをやらせるとこんな感じ）のような面白い曲が入っていますが、スタミナ不足なのでこの辺で。
終わりに
圧巻の演奏テクもさることながら、すっと入って来やすい曲が多く、癖になるような節回しや小気味のいいリズム、うっとりと聞き惚れる美しい演奏などが散りばめられています。
私のようなカンタベリー入門者にはキャラバン『ピンクとグレーの地』に続く2枚目として入りやすいアルバムと思います。
注）本記事中の日本語題名はきつね亭が勝手に付けたものです。
B級？好き嫌いが分かれるR・ストーンズの「ブラック・アンド・ブルー」
今晩は。ヴァーチャル・パブのロンドンきつね亭です。
さて今回はローリング・ストーンズの『Black and Blue』をやって見たいと思います。
ミック・テイラーが辞めてしまった当時、ストーンズは後任のギタリストを探していました。
候補に上がっていたのはジェフ・ベックを筆頭にロリー・ギャラガー、ハンブル・パイにいたスティーブ・マリオットとピーター・フランプトン等々。
ってそんな個性が強いギタリスト入れてどうするんだという感じもしますが。
このアルバムはギタリストのオーディションの意味合いもあったと聞きます。
最終的にはフェイセズを辞めたロン（ロニー）・ウッドが正式にメンバーになり、このアルバムで初登場していますが、８曲中ロンのギター参加は３曲のみ。
他の候補者の一人であったキャンド・ヒートのハーヴェイ・マンデルとセッション・ミュージシャンのウェイン・パーキンスが他曲のセカンド・ギターを務めています。
このアルバムは正直万人受けはしないかもしれません。
現に1976年のローリンング・ストーン誌の記事をみると、「以前と同じバンドと思えない」、「彼らの特色だった凄まじいエネルギーの代わりにテキトーさが目立つ」、「いくつかの演奏やヴォーカルの巧さはあるものの、魂が入っておらず曲の構成も手抜き」と、もうボロクソです。
一方で、ストーンズのアルバムのトップ５に入ると言っている人もいます。
私に関しては初めて買ったストーンズのアルバムがこの『ブラック・アンド・ブルー』で、2000年を超えるまでこの一枚とベスト・アルバムの合計二枚しか持っていませんでした。
視聴者としては後発もいいところですが、その後他のアルバムを聴いてから改めてこのアルバムを聴いてみて、「かなり好き」というのが率直な感想です。
では聴いてみましょう。
お勧めはレゲエ調の曲に合わせてラムとシェリーを使ったジャマイカ・マティーニというカクテルです。
ファンキーな曲
このアルバムはファンク、ロック、レゲエ調の曲、バラード、ジャズ系の曲が混在している印象です。
第１曲目の「ホット・スタッフ（Hot Stuff)」はファンキーな曲です。
ディスコ文化全盛期の音です。
ギターのカッティングがカッコいい。
リズムセクションがひたすら同じリズムを刻む中、ピアノ、ギター、ヴォーカルがアドリブで入ってきます。ビリー・プレストンのピアノもいいし、ハーヴェイ・マンデルのギターソロも時々妙なノートが入っているものの悪くない。
ただし全体としてバラけた感があります。ベース、ドラム、リズム・ギター、パーカッションのリズムがなんとかツナギになっているという印象です。
ストーンズらしいロック
２曲目の「ハンド・オブ・フェイト（Hand of Fate）」はいかにもストーンズらしい曲。後ノリのリズム、引きずるヴォーカル、キーズ・リチャーズらしいギター。「ブラウン・シュガー」にも通じるところがあって、誰が聞いてもストーンズ以外ありえない曲です。
最終曲の「クレイジー・ママ（Crazy Mama)」も従来のストーンズらしい曲です。
この曲ではキースがベース、ロン・ウッドとミック・ジャガーがギターという変則的な入り方をしています。
それにしても、スタジオ録音でこれほど揃わないコーラスも珍しい。ライブならかろうじて許されるレベルで各自が蛮声を張り上げています。
この曲と比べると「ギミー・シェルター」辺りがいかに端正な曲であったかと気付かされます。ギターも同様です。ある程度意図的にやっているような気もするし、面白いっちゃ面白いんですけど。
レゲエ調の曲
３曲目の「チェリー・オー・ベイビー（Cherry Oh Baby)」はアルバム中唯一のカバー曲で元歌はジャマイカのレゲエ・ソングライター。
ロン・ウッドのギター、ニッキー・ホプキンスのオルガンが入っています。
この曲のチャーリー・ワッツのシンバル、ハイハットの入れ方がいい。
コーラス部分は、ジャマイカ辺りの集会所で地元の人たちが歌っているようなローカル感が漂っています。
大昔の学生時代の夏にカリブ海の某島で２週間ほど仕事をした際、地元の小学校の構内から聞こえてきたレゲエの節回しを、燃えるように真っ赤な花が咲く火炎樹とともに思い出しました。
「ヘイ・ニグリータ（Hey Negrita）」はレゲエ、ファンク、ブルースが混ざった曲。
ニグリータは黒い娘さん、の意味で差別用語だと批判が出たところ、ミック・ジャガーから「ニカラグア人妻（当時）のビアンカをニグリータと呼んでるけど何か？」という発言が出てさらに物議を醸しました。
重いけど歯切れのいいリズムの心地よさ。さすがワッツとワイマン、だてにストーンズのリズム・セクションやってません。ビリー・プレストンのピアノもいい感じです。
バラード
４曲目の「メモリー・モーテル（Memory Motel)」。このアルバム中一推しの曲です。
ノスタルジックで美しい。
この曲ではミック・ジャガーがピアノ、キーズ・リチャーズはエレピ、ハーヴェイ・マンデルがリード・ギターという編成です。
海に面したメモリー・モーテルで一夜を過ごしたハシバミ色の目をした女性。
しっかりした自立心を持った女性のようで翌朝はピックアップ・トラックを運転してボストンに行ってしまう。自分はバンドのツアーでバトン・ルージュに行かなければいけない。一夜限りの相手だけど強い印象に残った女性。
ハーヴェイ・マンデルのギターソロがいいです。
ミックの歌唱力が際立つ曲ですが、後半にCo-Vocalとしてキース・リチャーズのソロ・パートが入っているのも一興。
７曲目の「愚か者の涙」はこのアルバムで唯一ヒットチャートに登場した曲。
ブルース系のバラードですが、ミック・ジャガーの歌の上手さに感嘆します。
歌詞は、「私」が家に帰ると、幼い娘がやってきて「パパ、どうして泣いているの？泣くなんておかしいよ」という。愛する家族がいるはずなのに虚しさを感じている男の涙と、無邪気な娘の対話が描かれています。ちょうど娘のジェイド・ジャガーが幼少だった頃の曲でしょうか。
ミック・ジャガーってこんなに心の機微を歌えるシンガーだったのか、と。
ニッキー・ホプキンスがピアノとシンセサイザーで参加。
シンセサイザーによるストリングスの音も優しく美しい。
ジャズ系の曲
「メロディ（Melody)」はビリー・プレストンのピアノから始まる気だるいジャズがかったブルース。
のったりのったりと重いリズムを刻むドラムとベースの上に、インプロヴィゼーションであろうピアノ、ギターのフレーズが乗っていきます。
「メロディ、それが彼女のセカンド（ミドル？）ネーム」というフレーズが延々と繰り返され、この倦怠ムードが何ともいい。
場末のクラブで半分酔っぱらって聞きたい感じです。
歌詞で「俺は彼女を探していた。まるでマスタードがハムを必要とするように」という辺りが妙に村上春樹っぽかったり。時折ジャングルのサルの叫びのようなミック・ジャガーの奇声が入っていたり。
「メモリー・モテル」に次いで好きな曲です。
終わりに
ブライアン・ジョーンズ、ミック・テイラーというギタリストの時代を見てきた人たちは、ファンクをやってみたりレゲエに感化されているストーンズに「こんなのストーンズじゃない」と思ったかもしれません。
また少々粗雑な印象の曲もないとはいえません。
その一方で「メモリー・モテル」や「愚か者の涙」のような名曲もあり、レゲエ調、ジャズ系の曲も面白い。（ビリー・プレストンの貢献も大きい）
賛否はあるけれど、過渡期にあるストーンズの記録として、個人的にはかなり楽しめるアルバムだと思います。
ポップスを侮っていけないスティーリー・ダン『プレッツェル・ロジック』の密度
今晩は。ヴァーチャル・パブのロンドンきつね亭です。
今回はスティーリー・ダンの第３作目、１９７４年発表の『プレッツェル・ロジック』を聴きたいと思います。
このバンドはこのアルバム収録の「Rikki, Don't lose the number(リッキーの電話番号）」や「ドゥー・イット・アゲイン）（Do it again）」のヒットで知っていましたが、アルバムをまともに聴くのは初めてです。
スティーリー・ダンは後年ジャズ・フュージョンのミュージシャンとして高く評価されるようになりましたが、このアルバムの頃はポップスを基調にロック、ジャズ、ブルースが同居している印象です。
では、NYのセントラル・パークのプレッツェル売りのおじさんのジャケットに敬意を表してマスタードをたっぷり塗ったプレッツエルをおつまみにバドワイザーでアメリカ気分を。
Rikki Don't Lose the Number（リキの電話番号）
ビルボードの4位となったヒット曲。
離れていくガールフレンドのリッキーにこの番号無くさないで、気が変わったら電話くれ、と言っている歌詞なのですが、マリファナを暗喩しているという説もあり真偽のほどは不明です。
フラパンバ（マリンバの親戚）の印象的な音のイントロに続き、ウォルター・ベッカーのベース、ピアノが入ってきます。
ヴォーカルのバックを彩るいい感じのピアノはマイケル・オマーシャン、あれ最近どこかでお会いしたと思ったらロギンス＆メッシーナの1枚目にも参加してました。
ドラムは「いとしのレイラ」にも参加した名手の誉れ高いジム・ゴードン（彼はのちに精神に異常をきたし大変な事件を起こしますが、それはさておき）。
このアルバムの後ドゥービー・ブラザーズのメンバーとなったジェフ・バクスターのギターソロが冴えています。
リズムもよくハモリも心地いい。ヒット曲になるべくしてなった曲と言えるでしょう。
ちなみにバック・コーラスにポコのティム・シュミットも参加していますが、これは言われなければ分かりません。
RIKKI DON'T LOSE THAT NUMBER (1974) by Steely Dan
２曲目の「ナイト・バイ・ナイト」はファンキーな曲。ドラム、クラヴィネット、リズムギターが一体となって密に刻み続けるリズムの心地よさ。ドラムは１９歳のジェフ・ポーカロで後のTOTOのドラマー。いい仕事しています。
「Any Major Dude Will Tell You（気取り屋）」
表題曲、リキと並んで人気のある３曲目です。
気取り屋という邦題に違和感がありますが、これは落ち込んでいる友人を慰めている曲です。
フェイゲン、ベッカーの二人がNYから南カリフォルニアに来た時、Dude（奴）というスラングをしょっ中耳にして面白いと思ったのでタイトルに取り入れたとのこと。
アコギのイントロから始まり電子ピアノとエレキの音色が優しくハーモニーが美しい。
ウェストコースト・ロックの曲という印象です。
4曲目の「Barrytown（バリータウンから来た男)」。
アコギ、ピアノ、フェイゲンの爽やかなヴォーカルで軽やかに流れるようなフォーク・ロック調の曲。
ビートルズの「テル・ミー・ホワット・ユー・シー」にやや似た節回し。
が、楽しげな曲調と相反して歌詞は半端なくキツい。「あんたの出身がどこか知ってるよ。あそこの連中はかなり奇妙だからね」「あんたのおかしな服装、髪形」「敵とは言わないけど、仲間が欲しいなら他に行って探しなよ」「理由のない偏見と思うなよ」とモロ差別発言。
ちなみにバリータウンはフェイゲンとベッカーが行った大学の隣町で、統一教会の拠点があるため教会信者のことか？という誤解釈も見られますが、統一教会がこの土地に拠点を設けたのは1975年のことで曲が出来た後なのでおそらく無関係。
５曲目、LPのA面最後は「East St. Louis Toodle-OO」。アルバム中唯一、フェイゲン＆ベッカーではなくデューク・エリントンとババー・マイリーの作。ラグタイム風の演奏の中、プランジャー・ミュート奏法（トランペットのベルの前にトイレ詰まりに使うゴムの吸着カップを当てて音を籠らせる奏法）をギターのワウファズで模して興を添えています。
６曲目の「Parker's Band」はチャーリー・パーカーへのオマージュ。
ドラムの歯切れの良さが心地いい。ピアノ、サックス、トランペットを配したジャズの要素を持ちながらヴォーカルのコーラスによってサザン・ロックの様相も呈している面白い曲。
次の「Through with Buzz(いけ好かない奴）」はピアノ、ストリングスで始まり、所々チェレスタらしい高音が入る。アメリカのロックというよりもヨーロッパのプログレのバンドがやりそうな曲です。
Pretzel Logic (プレッツェル・ロジック）
表題プレッツェル・ロジックの意味はわかりません。
食べ物のプレッツェルとは関係ないようですが。 吟遊詩人の一行に入って南の国に行ってみたい、とかナポレオンは会ったがないけれどそのうちに時間を作って、とか歌詞も支離滅裂のように思えます。
アメリカ人の評論家が「分からないことを言っているが、自分たちには分かってるんだろうよ」と言っていますので、日本人の自分が分からなくても仕方ありません。
別のバンドの時も書きましたが、こういう重たいブルース系のシャッフルは好きです。
特にズッタ、ズッタと繰り返すブルースのベースから時々遊びに出てくるベースライン。
ジム・ゴードンの重たいドラミングの間にタイミングよく入るシンバル。
その上に被さっているヴォーカルとギターの掛け合い。
この曲のリードギターはウォルター・ベッカーですが、かなりの部分をインプロヴィゼーションで弾いているように聞こえます。中盤のギターソロはドラマチックで秀逸です。
後半に入ってくるオマーシャンのピアノ、さらにサックス、トランペットもいい。
この曲にもコーラスでティム・シュミットが参加しています。
９曲目は「With a Gun (銃さえあればね）」。
君を見たことがある、このドアから走り出してきたのを見た。
金が払えなくなって、手に握った小さな塊で決着をつけたのか。
雨の中に倒れる彼を置き去りにして。
もうすぐ町を離れるつもりなんだろうが、捕まりそうになっても俺に連絡しようと思うなよ。
物騒な歌詞ですが、アコギと美しいハーモニーが印象的。
曲調はアメリカというよりもブリティッシュ・フォークを連想させ、ストローブスの曲だと言われても信じてしまいそうです。
10曲目の「Charlie Freak （チャーリー・フリーク）」
チャーリーはスラングでコカインの意味で、コカイン中毒のホームレスの死を歌っています。
チャーリー・フリークの全財産は宝石の付いていない金の指輪だけ。
もう５日も何も口に入れていないし、寝る場所もない。
「私」はチャーリーの窮状につけ込み金の指輪と引き換えに端金を渡す。
その金すらもドラッグに使われることを知りながら。
チャーリーが死んだ時、「私」はさすがに罪悪感を覚えて指輪を遺体の上に投げ返す。
この悲劇的な歌詞がピアノ、ベース、ドラムをバックに淡々と歌われます。
後ろに聞こえる女性コーラスのような音声は美しいながら寒気を感じます。
最後の鈴の音は現世の苦しみから解放されたチャーリーの死を暗示しているのでしょう。
最後の「Monkey in Your Soul（君のいたずら）」。
君は僕を縛り付けて置きたいらしいけど、もう御免だ。君の心に巣食う「サル」が怖いからね、と言う。
「サル」は罪のない「いたずら」ではなくて何かの依存症の意味でしょう。
ファンキーな曲でブラスが多用されています。
バクスターのギターソロは悪くないけど、全体として最後を飾るには今ひとつインパクトに欠ける曲という印象です。
最後に
一曲一曲は短いけどかなり密度の高い曲ばかりです。
日本発売時の帯には「さわやか革命」と副題が付いていたようですが、いえいえ逆にかなりズッシリ来る作品群です。
ジム・ゴードン、ジェフ・ポーカロ、マイケル・オマーシャンといったメンバー以外のミュージシャンも高い実力を誇る面々です。
スティーリー・ダンが５人編成の体裁を保っていたのはこのアルバムが最後。
バクスターはドゥービー・ブラザーズに入り、フェイゲンとベッカーの２名はさらに洗練された自分たちの理想の音を求めてジャズ・フュージョンで境地を開拓していきます。
その頂点が「Aja(彩）」と「ガウチョ」２アルバムではないでしょうか。
ベッカーは昨年（２０１７年）に亡くなり、フェイゲンはその後スティーリー・ダンとしてドゥービー・ブラザーズと合同で全米、英国でツアーを行っています。
ユーライア・ヒープ１枚目はジャケはエグいが中身は粒ぞろい
いやー何というか閲覧注意レベルといいますか。
ブラック・サバスじゃないんだし、ちょっと考えてくださいよ。
一気に食欲減退するじゃないですか。
ヒープの１枚目(1970)はその名も『Uriah Heep』で『Very ‘eavy, very ‘umble』という副題が付いています。
バンド名はディケンズ作のデイヴィッド・カッパーフィールドに登場する悪役ユライア・ヒープが由来や（おっと滑りましたか）いうことは『ソールズベリ』の記事で触れました。
その悪党ユライアの口癖が ”I am very ‘(h)umble” 。
それをもじってVery (h)eavyと名付けられたこのアルバムはまさにヘヴィーロックの金字塔というべきでしょう、
今日のお勧めはアルコール度数もトップクラスにヘヴィーな「ゾンビ・カクテル」です。
ジプシー（Gypsy)
いきなりヘヴィー・ロックの王道で来ましたね。
「ジプシー」はシングル・ヒットもしたかなり有名な曲です。
ファズの効いたオルガンに続いてベース、ドラム、ギターが入ってくるイントロ、ヒープらしいポーズの繰り返し、ファズを利かせまくったギターとオルガンの間奏、重厚なリズム・セクション、バイロン（v）の多重コーラス、終盤のオルガンとギターの破茶滅茶な絡み方。全てカッコいい。ケン・ヘンズレー（k）とミック・ボックス（g）、ナイス・ジョブです。
７０年代のロックには、トラフィックのパーリー・クイーンを始めとしてジプシー女がらみの曲がやたらに多い気がするのですが、既存の価値観が崩れ去り異質なものに対する憧憬が出て来た時代背景なのでしょうか。
続く２曲目の「Walking in Your Shadow」。リズムとギター・フレーズが心地いい。
ベースの高音部分も美しいです。
バイロンの歌唱力はさすがと言うべきでしょう。
カム・アウェイ・メリンダ (Come Away Melinda)
アルバム中で唯一ヒープのオリジナルではない曲。
古いアルバムを見つけた少女メリンダと父との会話によって曲が構成されています。
アルバムに出てくる少女たちやメリンダの母は戦争によってすでにこの世にいない。
誰なの？誰なの？と無邪気に尋ねるメリンダと言葉少ない父の対話。
フルート（おそらくメロトロン）の音色に導かれ、アコギが紡ぎ出していくひたすら美しい曲。途中メロトロンによるストリングス、女性コーラスも美しい。
ベースラインも秀逸です。
『ソールズベリ』の「公園」と並んで、ヘヴィー・ロックのアルバムに敢えてこの曲を入れた意思を感じます。
Lucy Blues （ルーシー・ブルース）
４曲目は正統派ゴテゴテのブルースです。
ヘンズレーのピアノもオルガン・ソロも申し分ない。
このベースのドッタ、ドッタがいいですよね。ドラムも達者だし。
バイロンの歌唱力も素晴らしいです。が、欲をいえば声質にもう少し泥臭さがあれば満点かも。
５曲目の「ドリームメア（Dreammare）」。
オルガンによる鄙びたメロディのイントロの後、どっとヘヴィーなロックです。
ファズ利かせまくりのギターもドラム、ベースのズッシリ感もいい。
リアル・ターンド・オン（Real Turned On）
この手のブルース系の重たいシャッフル、文句なしに好きなんですよねー。
ミック・ボックスもヒープにこのギタリストあり、という存在感を出しています。
リード・ギターの多重録音でツインリードのように互いに絡んだり、ハモったりしているのがカッコいい。
７曲目のアイル・キープ・オン・トライング（I'll Keep on Trying)。
重たいコーラスで始まり、これぞヘヴィーという曲調。中盤にメロウな部分が入りさらにヘヴィーな終盤へ。
ポール・ニュートンのベースラインが絶妙。ミック・ボックスのギター・ソロもさすがです。
ウェイク・アップ（Wake Up)。
かなり変拍子の多い曲ですが、リズム・セクションが素晴らしい。とくにベース。
ヴォーカルと一緒に入ってくる冒頭のベースの高音も美しい。
女性コーラスとメロトロンによるストリングス音もいい感じです。
が、何と言ってもバイロンの歌唱力が生きている曲です。
ボーナス・トラックの最終曲の「ボーン・イン・ア・トランク（Born in a Trunk)」は本編とは多少違いドライブのかかった軽妙なリズムのロックで楽しい。ギターのカッティングがカッコいいし、ドラムのバタバタも結構快感。
最後に
大半の曲がデヴィッド・バイロン、ミック・ボックス、ポール・ニュートンによって書かれており、ケン・ヘンズレーが中心になっていく最盛期のヒープとは大分趣きが違い、プログレ的な要素も微かに察せられる程度です。
バイロンの特徴的ななファルセットも少ない。
しかしこのグイグイと押してくるヘヴィー・ロックの感覚。聞き終わった後にむしろ清清しさすら感じます。
『対自核』からが本番、それ以前は試行錯誤のような意見もネットに見受けられますが、私的にはこの1枚目とソールズベリ時代のヒープ、ブリティッシュ・ロックの中でもかなり高順位になっています。
クマのプーさんも登場するロギンス＆メッシーナの1枚目『Sittin' In』
今晩は。ヴァーチャル・パブきつね亭です。
冬季オリンピックも無事閉幕しましたね。
今季はフィギュア・スケートは男子、スピード・スケートは女子の活躍が目立ってましたね。
さて金メダルの連覇を成し遂げた羽生結弦さん。羽生選手といえばクマのプーさん。
クマのプーさんが住んでいるのはプー横丁の家。洋楽界広しといえどもクマのプーさんを題材にしたミュージシャンはケニー・ロギンスぐらいでしょう。
ということで今回はロギンス＆メッシーナの『シッティン・イン（Sittin’ In) 』を聴いてみたいと思います。
バッファロー・スプリングフィールドからポコを経て、ミュージシャン兼プロデューサー兼レコーディング・エンジニアをやっていたジム・メッシーナがポコ時代から知己のあったシンガー・ソングライターのロギンスと組んで売り出した１枚目です。
学生の頃は毎日のように聴いていたアルバムですが久々の登場です。
カリフォルニアはロシアン・リバー・バレーのピノ・ノワールがお勧めです。
ロギンス＆メッシーナといえば、ハワイ気分満載のフル・セールについても記事をアップしましたので、よかったらこちらもご覧ください。
L&Mのアルバムは、ロギンスが書いた曲、メッシーナが書いた曲が各々の個性を光らせて混在しています。アルバムの順序とは不同になりますが、ロギンス、メッシーナ、共作の順で数曲を取り上げていきたいと思います。
ケニー・ロギンスの曲
ダニーの歌（Danny's Song）
このアルバムにはケニー・ロギンスが作詞・作曲・ヴォーカルを担当している曲が５曲入っていますが、最も有名なのがダニーズ・ソングでしょう。数多くのミュージシャンによってカバーされていて、アン・マレーのバージョンが有名になりましたが、何と言っても本家のが圧倒的にいい。
この曲はケニーの兄のダニー・ロギンス（ちなみに「Please come to Boston」がヒットしたデイヴ・ロギンスは再従兄弟（はとこ）らしい）が息子を授かったときに贈った曲。
今聴いてみてもいい曲です。
ロギンスによる弾き語りで始まり、右スピーカーから入ってくるメッシーナのギター。
２台のアコギの織り成す調べの美しさ。フィンガリング・ノイズすら美しい。
さらにピアノ、アル・ガースのヴァイオリン、ミルト・ホーランドのテンプル・ブロックを思わせるパーカッションの音。後半のヴァイオリン・ソロもいい。
Even though we ain’t got money, I am so in love with you, honeyのような「お金はないけど愛があるから」のように訳せばベタすぎる歌詞ですらメロディーの美しさで全然気にならなどころか、いつの間にか一緒に歌っている自分がいる。曲の力恐るべし。
続く３曲目のヴァヒヴァラ（Vahevala)。昔船乗りだった時のことを思い出す。大海原を漂い、ジャマイカにでも寄れば可愛い娘たちが出迎えてくれる‥。
この曲は作詞作曲のクレジットがダニエル・ロギンスとダン・ロッターモーザーとなっているので、おそらく曲を書いたのは「ダニーの歌」を贈られたケニーの兄。 のちの「フル・セイル」を思わせるカリプソ風の陽気な曲でパーカッションが活きています。
５曲目のバック・トゥー・ジョージア（Back to Georgia)はファンキーな曲。ロギンスは弾き語りの歌もファンキーなノリの良い歌もともに得意としています。のちにフットルースでブレイクしたことを考えると当然とも言えますが。
プー横丁の家（House at Pooh Corner)
A.A. ミルンの原作の児童文学を主題歌にしたこの曲は最初ニッティ・グリッティ・ダート・バンドのアルバム（Uncle Charlie and His Dog Teddy)に収録されてリリースされました。
L&Mバージョンは、意外にもムーグ・シンセサイザーとハモンド・オルガン、オーボエによるイントロ。ロギンスの伸びのある声が、ほのぼのした童話世界を紡ぎ出します。２台のアコギのコンビネーションの美しさは「ダニーの歌」同様です。
ミルト・ホーランドのコンガ、シェイカー（シャッシャッという音）、テンプル・ブロック、ゴングも面白い。
このほのぼのした物語世界「クリストファー・ロビンとプーがいた時代」はそこにあるようで、もう存在していない。だけど森の一画に行くと、まだそこにクマのプーさんがいてミツバチの数を数えたり、空に流れる雲を見上げたりしているような幻想がある。シンセサイザーの音が森に立ち込める靄のようにプーの世界と大人の現実世界を薄いヴェールで隔てているかのようです。
ジム・メッシーナの曲
リッスン・トゥ・ア・カントリー・ソング
ジム・メッシーナ自身はこのアルバムに3編の曲を書いていますが、アル・ガースとの共作のこの曲はいかにもメッシーナらしい作品です。
古きよき時代のことでしょう。土曜の夜にカントリー・ミュージック好きの親戚が集まって音楽大会。
父さんと伯父さんはギター、兄さんがフィドル、母さんはマンドリン。町の老シェリフまでがふらりと入ってきてバンジョーを手にしている。親戚の男が背後からスウ姉さんに近づいてくけど、柔道の心得がある姉は振り向きもせずに背負い投げを食らわすというコミカルなエピソードも入っている。
メッシーナのつぶれた声はカントリー調のロックンロールによく合っています。さらにマイケル・オマーシャンによるホンキートンク・ピアノとアル・ガースのフィドル（ヴァイオリン）のソロがかっこいい。これぞカントリーのフィドルという感があります。ドラムはブラッシュ・ドラムでチャッチャッという音を出しているのが面白い。
途中にスチールギターのソロが入ったかと思ったら楽器リストにスチールギターが載っていないのでエレキで出した音なのでしょう。
メッシーナがソロの前に「Take it, Alex」とミキサーのAlex Kazanegrasに指示した掛け声まで入っていて、スタジオ録音なのに親戚が集まって田舎の家で楽しくセッションしている和気藹々の雰囲気が醸し出されています。
L&M共作の曲
トリロジー（Lovin' Me, To make a Woman Feel Wanted, Peace of Mind)
このアルバム中、ロギンスとメッシーナの二人で共作したのはこの三部作のみ。
しかもLovin’ Meはメッシーナが、Peace of Mindはロギンスが書いているので、真ん中のTo make a Woman Feel Wantedのみが二人による作品です。
この３部作、まず二人のハーモニーが非常にきれいに決まっている。さらにファンキーな１部目からロックンロールの２部目のつなぎのオルガン・ソロがすごくいい。
２部目はラグタイム・ピアノも入って縦ノリの曲。交互にヴォーカルが入ってやがてハーモニーになるという、のちのL&Mにもよく出てくるヴォーカルのパターンを取っています。
１部目、２部目ともにラリー・シムズのベースが素晴らしい。
３部目はロギンスによる美しい曲でフルートもいい。
全体を通してみて、バッファローともポコとも違うL&Mの音がこの３部作で出来上がっていると言えます。
最後に
ジム・メッシーナのプロデューサーとしての力量は「フル・セイル」の記事でも触れましたが、ケニー・ロギンスという稀有なソングライターを見出し「売れる商品」に作り上げた能力はやはり流石というべきか。
一方で、ポコでもバッファローでもなく、ケニー・ロギンス単体とも違うL&Mの音というのができていて、このアルバムでは上記にあるようにトリロジーでその端緒が窺えます。
また、ニッティ・グリッティ・ダート・バンド出身でポコのメンバーでもあったアル・ガースが器用にもテノール・サックス、アルト・サックス、リコーダー、ヴァイオリン（カントリー調のフィドル弾きも含め）、ヴィオラ、スチールドラムを演奏しているのも特筆に値するでしょう。
近年また二人で活動している映像がネットで見られます。上からで恐縮なのですがハモリに今ひとつ往年の冴えが無いように思えてちょっと残念です。
プロコル・ハルム『グランド・ホテルの夜』で酔いしれましょう
今晩は。ヴァーチャル・パブきつね亭です。
今日の名盤はプロコル・ハルムです。
そこの若い方、イスラム過激派の話じゃありませんよ。あれはポコ・ハラムですから。
プロコル・ハルムといえば、ある程度の年齢の方であれば、特に洋楽が好きでなくてもきっと１曲はご存知でしょう。そうです、「青い影」、原題は「A White Shade of Pale」。
私が若い頃は部費集めのダンス・パーティ（俗称ダンパ）というのが時々ありまして、大学の１年生なんかだと上級生にパー券を押付けられて、大して行きたくもないダンパにやや強制的に行かされたものです。ダンス曲の合間に照明がすっと落ちて、チークタイム（うわあ）が始まると、決まって流れた曲がなぜかこの「青い影」だったものです。
ちなみに青い影はミリオンセラーどころか一桁上の一千万枚売れたそうです。ラジオの深夜放送などでもよく流れた曲でした。
『グランド・ホテルの夜』はかなり好きなアルバムで、プロコル・ハルムの６枚目のスタジオ録音、1973年の作品です。
今日はちょっと豪奢にシャンパンの代名詞ドンペリのヴィンテージで行きましょう。たまには、ね。
グランド・ホテルの夜（表題作）
今夜は絹のシーツにくるまって寝よう。高級なワインを飲んで、レアの肉を食べて。キャンドルの明かりにシャンデリア、銀の皿にクリスタル‥‥。
今度はオテル・リッツの食事、金の食器、鏡張りの部屋、ベルベットの緞帳、とパリの豪華な夜を表す言葉を尽くせば尽くすほど、成金臭が半端ない。
言葉の端々に「ギャンブルで財産はあっという間に膨れ上がり、そして消えて無くなる」などと言っています。挙句の果てに「そういえば、ヨーロッパ女の妻（一夜妻？）はどこに消えたんだろう」「フランス女は喧嘩好きだから、早朝につねったり噛み付いたり」と滑稽な展開です。
ピアノの単純な繰り返しの上にヴォーカル、ベース、さらにドラムが入ってきて、ギターが粋な入り方をしたかと思うと、すぐにストリングス、コーラスが入ってワルツが始まる。リッツでの晩餐のシーンでは、ドラムのシンバルでしょうか、食器の触れ合うが聞こえます。
さらにワルツのモチーフが入り、今度はどんどんとテンポが上がって、いきなりオーケストラが哀愁に満ちたメロディーをドラマチックなまでに盛り上げていく。さらにワルツ、また円舞のテンポが上がって今度はギターのソロ。これがなかなかいい。
ワルツの繰り返しの合間にドラマチックなオーケストラの旋律、ロックの部分が次々に現れて面白い。
狂ったような円舞曲とオーケストラのメロディが大袈裟であればあるほど、滑稽というか、猥雑というか、デカダンというべきか。フランスの艶話をイギリス人が語っているような不思議な楽しさがあります。
表題作の次は「Toujours L’amour （トゥジュール・ラムール）」。永遠の愛という皮肉な題とは裏腹に、女が勝手に出て行って、取り残された男の歌です。ネコを連れて置手紙を残して彼女は出て行った。「フランスのヴィラを借りようかな。フランス娘と恋が芽生えるかも」、あるいは「スペインに行きリボルバーを買って自分の頭を吹き飛ばす方がいいかな」という剣呑な歌詞。
初期のビートルズにありそうな旋律の曲。ピアノ、さらにオルガンが効いていてギターのソロもいい。
ラム・テール（A Rum Tale）
小曲ながら好きな曲です。ピアノとベースが刻む３拍子が心地よく、メロディも可愛く美しくどこか懐かしい。途中から入ってくるオルガンもいい。作曲者のゲイリー・ブルッカー自身も、「メチャクチャ美しい曲を書いた」と言っている自信作です。
女に骨抜きにされた男が、南の島でも買ってラム酒漬けで暮らそうか、回想録でも書こうかと言っています。
４曲目のTV 「シーザー（TV Ceasar) 」。湿った印象のギター・ソロが印象的です。
テレビの皇帝マイティ・マウスが各家庭の壁の穴に潜んでいて人間を観察しているよ、という歌です。
ビッグ・ブラザーが見張っているオーウェルの小説のような状況でありながら相手がネズミだけにコミカル。大仰なオーケストラ仕立、大真面目なヴォーカルの語り口でシュールな曲です。
次の「スーヴェニア・オブ・ロンドン（A Souvenir of London ）」では、２重のアコギとパーカッション、マンドリンにズシンと響くバスドラにのせて、ブルース調のヴォーカルが「嬉しくないロンドン土産」について歌います。親に言えず税関でも申告できない、医者に見せなければならないこの「お土産」はVD（性病）ということで、この曲はBBCで放送禁止になったという逸話が残っています。
６曲目の「Bringing Home the Bacon」はロックらしいロックです。途中のギター・ソロがいい。
「For Liquorice John」は恥辱にまみれ精神に異常をきたした男の歌で、最期は手を振りながら海に沈んで言ったという救われない歌詞。変拍子が面白く、後半のオルガンからのドラマチックな展開がプロコル・ハルムらしい。
ファイアーズ（Fires（Which Burnt Brightly)）
粒ぞろいの作品中、表題作、ラム・テールと並んで好きなのがこのファイアーズです。
この戦いは負ける寸前で、大義名分は亡霊と化している。かつて煌々と燃えていた火は勢を無くしている。規律と進軍ラッパは塵にまみれ…。
悲惨な描写の背景に流れるのは冒頭からのピアノの旋律の美しさ。効果的なオルガン・ソロ。
さらに何と言ってもゲスト出演しているクリスティアーヌ・ルグランのソプラノ・ヴォーカルがいいのです。特に後半のスキャットは圧巻で何度も聴きたくなります。
下は２００６年のライブ録音。ルグランのソプラノの代わりに合唱が入っています。
Procol Harum - Fires (Which Burnt Brightly) // Denmark - 2006
最後は「ドクター、私が病気なの分かりません？金ならいくらでも払うから何とかしてくれ」という歌詞が壮大なシンフォニーにのせて歌われるという「Robert's Box」でアルバムは幕を閉じます。
最後に
ピアノのゲイリー・ブルッカーが全曲を作曲し、作詞は楽器を演奏しないメンバーのキース・リードが担当しています。クリムゾンにおけるピート・シンフィールドの小規模版といった役割でしょうか。
死、病、失望といったテーマが何とも仰仰しくドラマチックな演奏や、美しいメロディに載せて歌われる辺り、プロコル・ハルムのブラックユーモアというべきか英国人らしい皮肉じみたものを感じます。
